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Una zapatilla con un charco incorporado

NYT

Aquí hay algo difícil de lograr en un zapato: recordarle a cualquiera que lo vea que el consumo excesivo y el desperdicio están calentando el planeta y destruyendo los recursos naturales de la Tierra, derritiendo los casquetes polares, contaminando el océanos Etcétera. Mientras que también hace que el usuario se vea realmente genial.

Si alguna marca puede lograrlo, es Botter, una joven marca parisina que usa los lemas «mundo acuático» y «alta costura caribeña» para describir una sensibilidad de diseño soleada mezclada con la frialdad holandesa y la realidad isleña. Según la marca, uno de sus diseñadores, Rushemy Botter, nació en Curaçao y luego vivió en un pueblo de pescadores en las afueras de Amsterdam; la otra, Lisi Herrebrugh, ha viajado entre los Países Bajos y la República Dominicana, donde tiene familia.

Sus nombres también pueden sonar familiares como finalistas del Premio LVMH para Jóvenes Diseñadores de Moda 2018 y como directores artísticos en nina ricci durante tres años, hasta el pasado mes de enero. A principios de este año, también ganaron el Andam Fashion Award; Harry Styles lució uno de sus polos de rombos tejido con cuentas de pelo de plástico reciclado en una portada de Rolling Stone.

Así que tienen impulso. No sorprende que esta temporada, para un desfile dedicado al concepto de llevar agua a la pasarela, incluso en algunos modelos que usaban grandes condones llenos de líquido alrededor de sus muñecas, formando una especie de extraordinario guante hinchable, debutaron un zapato con un fuerte potencial de colapso de Internet como parte de una colaboración continua con Adidas.

Las zapatillas de fútbol (en el estilo Predator Edge. 1), desarrolladas con los diseñadores de calzado holandeses Studio Hagel, tienen un charco de resina moldeado alrededor de las suelas. Venían en negro o naranja neón (técnicamente «rojo solar» para Adidas), aunque la versión del color del cono de tráfico era mucho más llamativa.

Las modelos que las llevaban parecían, de lejos, como si llevaran aletas. De cerca, se parecían más a cubitos de hielo derritiéndose. Botter quería que los zapatos «se sintieran como si estuvieran flotando en aguas tranquilas moviéndose con gracia», según las notas del desfile.

Pero emparejado con otras piezas, como un bloque congelado de desechos el plastico bolsos convertidos en carteras, esa tranquilidad se transformó más en pavor existencial.

Aún así, los accesorios con conciencia que se ven más interesantes que los zapatos sin cordones de Toms: Eso es algo bueno.

Dentro de la flor ‘Monster’ de Louis Vuitton

Era un monstruo, enorme y siniestro. Era una flor, llamativa y seductora. Eran ambos, y ese era el punto.

“Hablamos sobre la idea de un espectáculo de monstruos extraños”, dijo el artista Philippe Parreno, viajando de ciudad en ciudad como parte de un circo, mientras discutía los orígenes de la estructura gigante en el corazón del escenario paralouis vuitton’Desfile de primavera de 2023. “Quieres ser engañado, en cierto modo. Te atrae y te seduce. Y, sin embargo, sabes que es falso”.

La instalación en forma de flor estaba formada por decenas de paneles de color rojo sangre, que se elevaban desde un patio de la Lumbrera: 28 metros de altura (más de 90 pies) en su punto más alto y fabricado con unos 3.900 metros cuadrados de nailon ripstop.

Parreno creó el decorado, asistido por el diseñador de producción de Hollywood James Chinlund, en colaboración con Nicolas Ghesquière, director creativo de ropa de mujer en Vuitton, cuya directiva principal para el artista era «hermosa pero peligrosa».

De hecho, lo que hicieron recordaba a un carnaval o un parque temático: la plataforma circular que rodeaba al monstruo, donde estaba sentada la audiencia, parecía un carrusel, superiluminado por bombillas de luz brillante y candelabros giratorios. Las gruesas cortinas rojas que inicialmente ocultaban la flor monstruosa eran como las de magia espectáculos Y cuando se descorrieron las cortinas, unos cuantos espejos oscilantes al estilo de una casa divertida se enfrentaron a la audiencia en pedestales, frente al monstruo. (La idea era que la flor, consciente y aterradora, controlara los espejos).

Pero el equipo también pensó en el cine de terror clásico, como las películas de “King Kong”.

“Cuando capturaron a King Kong y lo llevaron de gira, lo subieron al escenario y lo encadenaron”, dijo Chinlund. «Pensamos en tomar esta flor y escalarla hasta el punto de que fuera un poco aterrador, con todas estas torres a su alrededor y los cables que la sujetaban».

Ghesquiere dijo que nunca antes había trabajado así: planificar un set y diseñar una colección al mismo tiempo. El efecto espejo de la casa de la risa fue el vínculo más claro entre los dos, con ciertos elementos de los diseños de Ghesquière (como cremalleras, hebillas, bolsos de mano) que se revelaron en el desfile del martes, ampliados a proporciones gigantescas, como «un juego de escala”, dijo.

La planificación comenzó en junio, y la construcción en el sitio comenzó a fines de agosto, un cronograma asombroso considerando que todo esto fue para un espectáculo de 14 minutos que se llevó a cabo a principios de octubre. Después del espectáculo, la deconstrucción debía comenzar casi de inmediato, algo así como un circo ambulante, dijo Chinlund, «desaparecido en la noche». (Louis Vuitton señaló más tarde que alrededor del 93% de los materiales utilizados en sus eventos, incluidos los desfiles de moda, se reutilizaron o reciclaron).

Sin embargo, había algo en la impermanencia de un espectáculo secundario que Ghesquière apreciaba.

“Siempre me ha gustado la vida nómada”, dijo. Después de todo, la semana de la moda es como una “caravana”, con las mismas personas viajando a las mismas cuatro ciudades para los mismos desfiles cada año, dos veces al año. Durante las últimas temporadas, louis vuitton ha sido el gran espectáculo final del circuito.

“A veces la gente no se da cuenta de que el desfile de modas es un evento en vivo. Tienes una oportunidad y tienes que hacerlo bien”, dijo Ghesquière. “Pero esta es la definición de moda. Es este momento y no otro momento”.

¿Puede un ramillete trascender el baile de graduación?

El ramillete fue la guinda del pastel, si el pastel fuera una chaqueta de ópera de tafetán de seda del tamaño de una roca, decorada con letras del equipo universitario en la espalda y volantes explosivos en el frente, todo decorado en bonitos colores pastel. Este look se repitió unas 20 veces en la primera parte del desfile de Thom Browne el lunes por la tarde en París.

¿Qué podría hacer un look con todo eso? Incluía una máscara facial con red, calcetines de lunares, zapatos de montar y una pequeña bolsa de cuero, ¿completo?

Para Browne, la respuesta era obvia: un ramillete de muñeca de plástico. Han sido un elemento básico de los bailes de bienvenida y graduación desde la década de 1950 hasta… bueno, ahora, incluso si no son tan populares hoy como en el pasado.

Quizás Thom Browne pueda ayudar a cambiar eso. En los últimos años, los guantes de ópera han regresado a las pasarelas de manera importante, como un elegante accesorio que a veces se lleva con ironía y otras veces no. Uno podría imaginar que sucediera lo mismo con los ramilletes: una explosión de color caramelo floresya sea superando un atuendo ya dulce o haciendo que un conjunto más oscuro y duro sea un poco más dulce.

Hacia el final del espectáculo, dos modelos sincronizaron sus caminatas con «You’re the One That I Want», el número final de Sandy y Danny de «Grease». Un alegre recordatorio (de la era del ramillete máximo) de que los opuestos se atraen.

Un sombrero de pescador brillante y sin forma, para el escéptico del sombrero de pescador

Los sombreros de pescador regresaron al estilo urbano y a las pasarelas hace algunos años, como parte del resurgimiento del Y2K que también resucitó los jeans de tiro bajo, los broches de mariposa y lo deslumbraron todo. Desde entonces, las pasarelas han visto innumerables iteraciones: Tod’s (acolchado con cuero de lujo) en Milán y Marc Jacobs (grueso y difuso y con proporciones infladas) en Nueva York vienen a la mente.

Pero había algo irresistible en la versión suave, diáfana y adornada que Bruno Sialelli, el diseñador de Lanvin, enviado por la pasarela en París. Quizás porque estos eran más holgados que el típico sombrero de pescador. No estaban equipados con una parte superior plana y un ala acampanada. En cambio, los sombreros revoloteaban suavemente sobre la cabeza, en malla blanca, como un velo ligero como una pluma.

Luego, los velos se bordaban con pequeños racimos de cristales: brillantes, espinosos y elegantes.

En sus notas del desfile, Lanvin dijo que “se palpa un sentido de la mano en toda” la colección, y eso era cierto aquí. Solo una mano podría haber encontrado el equilibrio adecuado entre el espacio en blanco de malla y las manchas brillantes. Lanvin también dijo que se inspiró en las décadas de 1920 y 1930 para esta colección, que se reflejó en la forma flexible (como en las aletas), cerca de la cabeza del sombrero sin forma.

“Placeres simples, alegrías puras”, decían las notas del programa. Por cierto.

Este artículo apareció originalmente en The New York Times.

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Fuente

Publicado por notimundo

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