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Londres, la moda y la importancia de ser … algo

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A primera vista, parecía que había vuelto a la actividad en la Semana de la Moda de Londres. Un vasto espacio de exhibición industrial estaba abarrotado el viernes, lleno de tipos de relaciones públicas y guardias de seguridad con auriculares, pantallas brillantes del piso al techo que mostraban contenido social (el lugar fue patrocinado por TikTok) y filas apretadas de celebridades de la moda.

Salieron con fuerza para celebrar a Nensi Dojaka, el creador de pequeños vestidos negros cuidadosamente diseñados y residente en Londres, nacido en Albania, quien a principios de este mes se convirtió en el último ganador del Premio LVMH.

Era su desfile de debut en solitario y el rumor era palpable, con una sensación de optimismo cauteloso que emanaba de la multitud local y en gran parte sin máscaras después de 18 largos y difíciles meses. Después de todo, a todos les encanta el ascenso de nuevos talentos brillantes. Especialmente cuando la industria de la moda todavía se siente muda y desamparada.

Como en las colecciones de Nueva York, no hubo una audiencia internacional real. El resultado de las restricciones de viaje, ciertamente, pero probablemente también la ausencia de grandes marcas como Burberry, Christopher Kane y JW Anderson en la programación en vivo. Eso no significa que los que se quedaron no estuvieran decididos a montar un espectáculo, aunque en sus propios términos.

En la galería Serpentine en Hyde Park, Roksanda Ilincic presentó un recital de danza «Mujeres en movimiento» con artistas en voluminosos volúmenes descaradamente femeninos en coral, crisantemo, peridoto y merlot que se abalanzan y giran para capturar «la vitalidad cinética del cambio» según el Mostrar notas. Osman Yousefzada, conocido por su sastrería escultórica y su activismo social reciente, presentó looks en una tela alternativa de seda hecha de pulpa de madera de origen sostenible. Y Rejina Pyo abrió su espectáculo el domingo con los atletas del Equipo de los Juegos Olímpicos de GB lanzándose desde el trampolín en el London Aquatics Centre.

“Siento que el estado de ánimo que nos rodea en este momento se trata de un anhelo de libertad, y el lugar donde me siento más libre es en el agua”, dijo Pyo, embarazada de ocho meses de su segundo hijo. Las modelos dieron vueltas alrededor de la piscina con sus camisas transparentes, trajes separados inspirados en la natación y vestidos de malla transparentes con estampados fotográficos y una paleta de colores que levantan el ánimo de verdes, ocres y rosas que hacen estallar la vista.

La maternidad, la nueva vida y los comienzos surgieron como algo así como un tema. Molly Goddard, de baja por maternidad después del nacimiento de su hijo, presentó una versión más accesible de su visión de marca de gran tamaño. Ella aumentó los elementos básicos de su guardarropa, como la mezclilla de pierna ancha y los tejidos de punto estilo Aran en tonos neón, ofreció más looks masculinos, así como versiones reducidas de algunos de sus vestidos gigantes de smocked escalonados, inspirados en las proporciones más pequeñas de la ropa infantil.

Luego, Simone Rocha, que tuvo una hija en mayo, ofreció meditaciones sobre las relaciones madre-hija en medio de los oscuros claustros de San Bartolomé el Grande, una iglesia medieval en las calles secundarias de una de las partes más antiguas de Londres. Ella revisó firmas de diseño como sus vestidos de comunión blancos en capas, adornos nacarados y chaquetas de motociclista de vinilo y botas de plataforma. También se tejieron guiños con incrustaciones de diamantes a los sostenes de lactancia, chales de bautizo con cintas, abrigos y camisones con botones en estampados inspirados en sábanas vintage en tonos pastel.

La casa de accesorios británica Mulberry decidió celebrar su 50 aniversario pidiendo a los miembros de la nueva guardia que reinventaran algunos estilos de bolsos básicos y al mismo tiempo les dieran la libertad de desarrollar nuevas ideas. Después de trabajar con Priya Ahluwalia y Nicholas Daley, la colaboración actual de la marca fue con Richard Malone, quien proyectó una exploración en tonos joya de la herencia artesanal irlandesa en modelos que recorrieron galerías de tesoros renacentistas en el Victoria and Albert Museum.

Pero quizás también se requiera otro cambio de actitud de la industria más amplio: una aceptación genuina de las vitrinas digitales junto con las pasarelas físicas como un medio para ver la nueva moda. Puede ser una transición complicada para quienes están acostumbrados a absorber el teatro y el espectáculo de la pasarela, o mirar de cerca el ajuste y la tela. Pero los shows en vivo son una gran presión financiera y emocional para los diseñadores, un hecho ampliamente reconocido incluso antes de la pandemia. Si la supervivencia de las marcas es una prioridad para el sector, los hábitos deberán evolucionar.

A saber: Emilia Wickstead y Victoria Beckham, quienes adoptaron un enfoque de primero digital. Wickstead creó una oda en video al cine de la Nueva Ola francesa, reelaborando versiones de sus vestidos hechos a medida y separaciones en tonos afrutados y estampados florales, mientras que el estilo profesional de Beckham ofrecía trincheras y abrigos cruzados, combinando túnicas y pantalones que reflejaban su inclinación por la ropa masculina. silueta junto a vestidos lenceros sedosos con espaldas rígidas de peekaboo.

De hecho, la creatividad digital estaba en plena exhibición. Los ponchos de crochet multicolores y maximalistas, los calcetines de punto hasta los muslos y los vestidos de gala de tela reciclada de Matty Bovan, el ganador del Premio Woolmark, dieron (más) un toque psicodélico de lo habitual gracias a un breve video retro al estilo de la década de 1970 y al libro de imágenes GIF que lo acompaña. . Y Michael Halpern produjo un video protagonizado por bailarines principales de la Royal Ballet School con ropa de noche diseñada para cobrar vida en el movimiento.

«Quería apoyar la escena de las artes escénicas de Londres, los bailarines que soportaron tanto con una disciplina y determinación tan increíbles», dijo entre bastidores en el rodaje a principios de este mes, de pie junto a vestidos de columnas de bloques de color con flecos en forma de caja, orbe -bolas en forma de puffball terminados con cristales Swarovski y vestidos de noche fluidos y sedosos. “Después de tanta incertidumbre, quería capturar su alegría de poder regresar, mantenerse de pie y que las ruedas siguieran girando”.

Un sentimiento similar generó uno de los momentos más conmovedores de la semana. Mientras los invitados se reunían el domingo por la noche bajo las columnatas del Museo Británico para una celebración de los 15 años desde el primer desfile de moda de Erdem Moralioglu, una tormenta retumbó en lo alto. Al diseñador le encanta sacar a los personajes inconformistas de la historia británica como inspiración; esta temporada fue el turno de la poeta Edith Sitwell y Ottoline Morrell, una aristocrática filántropa. Su influencia provocó flores bordadas y atrevidos estampados florales, siluetas y sombreros eduardianos de cintura ceñida, románticos vestidos de encaje blanco y lustrosos trajes de esmoquin de hombre; una oda a la supervivencia y una carta de amor al alma idiosincrásica de la capital británica.

“Me siento muy afortunado de ser una marca de moda independiente en Londres y estoy totalmente en deuda con todos aquellos que lo hacen posible”, escribió Moralioglu en sus notas del desfile.

Durante el final, un raro arco iris doble atravesó las nubes para colgar triunfalmente en el cielo cambiante.

Este artículo apareció originalmente en The New York Times.

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Publicado por notimundo

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